Ребят, мы научим вас шарить в художниках. Реально простой гайд по главным фигурам живописи

Серьезно, кто будет читать энциклопедию про художников, когда есть «ВКонтакте» и Youtube? Угу, никто. Только вот потом обязательно возникает какая-нибудь ситуация, когда неловко, что не «потянул» простой вопрос на эрудицию. Чтобы такого не случалось, мы запускаем рубрику «Че так сложно-то?», где будем простым языком, как для друзей, объяснять всякие штуки про культуру и искусство. В первом выпуске разбираемся, как минимально шарить в картинах.

Вечная проблема: Клод Моне или Эдуард Мане?

Возможно, никто и не путал бы Мане и Моне, если бы они писали в разных жанрах. Но все усложняется: оба художника — французы и оба стояли у истоков импрессионизма. Самые азы — это правило «Моне — пятна, Мане — люди». Что-то в этом есть: Моне написал немало весьма абстрактных пейзажей («Стог сена около Живерни», «Сад художника в Живерни»), Мане — немало людей («Железная дорога», «Завтрак в мастерской»). Но если вы думаете, что все так просто, увы. Моне людей тоже писал (если бы он знал…).

Но — есть одна важная особенность. Если смотреть на картины Клода Моне с близкого расстояния, вы, скорее всего, ничего не поймете. Но пара шагов назад — и — вау! — появляются силуэты, смыслы и, что самое важное, свет. Моне так и говорил: «Я пытался сделать невозможное — нарисовать сам свет». Так вот, помните: у него это получилось. А вот у Эдуарда Мане — не совсем.

Моне:

• нет четких линий, крупные и широкие мазки;
• нет достоверности, акцент на сочетании цвета и света.

Мане:

• близок к реализму, более четкие и точные линии;
• сложная композиция и объемные сцены.

It’s a trap! У обоих художников есть картина «Завтрак на траве». Тут уж, наверное, проще запомнить, где чья.

Эдгар Дега и его балерины

Дега тоже товарищ стереотипный: считается, если на картине есть балерина, ее автор — Эдгар. Но мы же хотим быть эрудированными, поэтому копнем глубже.

Художник вдохновлялся фотографией, поэтому его картины максимально на нее похожи. Полотна напоминают случайное фото, как будто кадр просто выхвачен из реальности. Плюс, конечно, танцовщиц рисовал не только этот француз (да и вообще не только французы), поэтому важно запомнить, что у Дега они выглядят суперестественно и чаще за кулисами.

Еще из фишек художника — свет, который как бы делит лица героев на две части: темную и светлую. «Певица с перчаткой» — яркий пример такой картины.

Особенности Дега:

• асимметрия картин;
• «обрезание» людей, предметов краями полотна;
• нередко свободное пространство в центре композиции, фигуры и объекты — сбоку.

Пабло Пикассо (настолько разный, что запомнить все нереально)

Здесь надо подсобраться: Пикассо подкинул ту еще задачку, писав картины целых 70 лет. Конечно, за это время французский испанец менялся так, что его полотна можно по ошибке причислить к разным авторам. Но мы попробуем не облажаться!

В начале творчества Пабло валил по мейнстриму: перспектива пространства и правильные линии ему еще не были чужды. Что важно — на картинах были простые люди, часто калеки, нищие, странствующие актеры. Если герой картины принадлежал к другой профессии, ему все равно было «не ок»: композиция картины ломалась, появлялись странные цветовые сочетания, ломаные линии, «выбивающиеся» детали и прочее. Все это называется голубым периодом, а значит, картины — в сине-зеленых оттенках. Так и запоминаем — по «Старому нищему с мальчиком» (1903), например.

It’s a trap! «Любительница абсента» (1901) как бы оранжевая, но тоже из голубого периода (на это намекает бутылка и одежда).

Дальше был розовый период. Здесь больше радости и — да-да — оранжевых тонов. Еще розовых. В этот период Пикассо, видимо, впечатлил цирк, и он занимался его отображением в картинах. Известная «Девочка на шаре» (1905) относится к этому периоду и хорошо показывает переход от прошлого. В это же время Пабло экспериментирует с мотивами Африки.

Наконец, кубизм — то, за что Пикассо и известен. Все началось примерно с «Авиньонских девиц» (1907). Суть направления в том, что реальность разбирается на элементы и из них составляется новый мир — произведенческий. Де-струкция, де-формация, де-вицы — так и запоминаем.

Дальше у Пикассо случается «помутнение»: он влюбляется в русскую балерину Хохлову и пишет ее портреты (и не только). А ей нравился традиционный, консервативный стиль, поэтому художник его выдавал. Ну как сказать… Пикассо все равно прослеживается.

Потом снова узнаем Пабло: у художника начинаются семейные проблемы, он увлекается молоденькой девушкой, туда-сюда — и вот начинается полнейший сюрреализм. Впрочем, он длится почти до конца жизни Пикассо. Он, кстати, под старость и вовсе разочаровался в творчестве (что видно по настроению работ).

Если это было очень жестко, просто запомните: Пикассо — это кубизм и сюрреализм. И, конечно, масштабная «Герни́ка» (ударение на «и», не ошибитесь), написанная в 1937-м.

Фух, вроде расправились. Идем дальше.

(Внезапно) по-патриотичному красно-зеленый Марк Шагал

После Пикассо наш земляк выглядит очень целостно и постоянно. Поэтому легко выделяем особенности его творчества.

Кстати, Шагал и Пикассо дружили, но постоянно троллили друг друга. Пикассо называл Шагала летчиком (потому что герои его картин летали), а Шагал Пикассо — разделочным ножом (потому что испанец «разрезал» людей на части и перекладывал их из трехмерного мира на плоскость).

Как узнать Шагала:

по темам: Витебск, любовь (к женщине, к родине — неважно), религия и летающие люди;

по цветам: много зеленого (жизнь, обновление природы) и красного (тревога, потрясения).

Мы нарочно не показываем «Прогулку» и «Над городом» (обе — 1918) — это и так ни с чем не спутаешь. Вообще, кто герои картин витебского импрессиониста, догадаться несложно, если держать в голове тематику произведений. Это влюбленные, танцоры и музыканты, ангелы, животные. Вот еще пруф, если было мало.

Анри Матисс и женщины

Матисс, как и Моне, передавал эмоции через цвет. А еще у Анри много женских фигур. Кажется, какая банальщина! Но вообще-то нет: чтобы создать такие произведения, надо очень тщательно изучить натуру и трансформировать ее гармонично. За такие «игры» его критиковали, но художник отвечал хлестко: «Я создаю не женщину, я создаю картину».

Попробуйте закрепить в голове Матисса рядом со словом «фовизм» — именно он поучаствовал в рождении такого стиля в искусстве. В принципе почти все, что подразумевает фовизм, отражается в картинах художника.

Что там по Матиссу:

яркие краски;

четкие линии и плоские (!) формы;

одни и те же вещи (ткани, ковры, статуэтки) — это сложно объяснить, но это узнаваемо;

нет ясной структуры у изображаемого предмета;

в названиях картины не указано время суток.

Ну и, кстати, вот эта картина — тоже Матисс.

Поль Гоген, который не любил тени

В этом случае лучше сразу к делу и привести пару примеров.

Список по Гогену:

• намеренное искажение пропорций;
• почти полное отсутствие теней (это специально);
• четко очерченные фигуры;
• цвет, цвет, цвет!!!

Непонятный Сальвадор Дали

Про этого художника написано столько всего, что лучше даже не пытаться построить из этого систему. Действуем на свой страх и риск: «Кажется, на картине какая-то ерунда? Похоже, это Дали». Смотрите сами — вот вам не самое популярное произведение: «Метаморфозы Нарцисса» (1937).

Что можно сказать:

• на некоторых картинах можно проследить тягу Дали к морской теме (плюс синие тона);
• «плавающие» часы — точно Дали. Хотя это и так понятно.

Василий Кандинский как пример русского авангарда

Завершим интересным русским художником, который считал, что изображать реальные предметы — это, говоря современным языком, зашквар. Потому что они сильно воздействуют на психику. Главное — это эстетическое звучание формы и цвета.

По сути, Кандинский придумал лирическую абстракцию: это когда через живопись имитируется музыкальное произведение. Поначалу, правда, художник действительно больше уходил в лирику, а вот потом начался лютый авангард. Ага, Кандинский — тот самый художник, который комбинировал всякие точки, линии, фигурки, и получалось круто. Поглядите-ка.

У нас вообще на эту тему даже тест был: Круг — сверху или снизу? Тест: сможете ли вы правильно «повесить» картины художников?

А вообще-то все это называется супрематизмом — направление, в котором простые геометрические формы комбинировали друг с другом, создавая динамику полотна. Во как.

В следующий раз попробуем разобраться в главных художниках Возрождения (начало XIV века — конец XVI). Там прям совсем со звездочкой все.